Vincent Vallois

Vernissage le 17/01/2012, de 18h à 20h30

Vincent Vallois est un artiste français de Lille, né en 1959. Depuis qu'il a obtenu le diplôme de l'école Nationale Supérieure des Arts Décolatifs, Paris, il n'arrête pas d'exposer en France et à Belgique. Dans sa vie, il se consacre complètement à la peinture. C'est la troisième fois que la galerie Akié Arichi présente ses œuvres. Cette fois, il nous propose des photos-peintures qui se trouvent juxtaposées, deux regards portés sur un même paysage !
Celui du photographe et celui du peintre. Il a eu la bourse « artistes in residence » au Japon en 2005 et à cette occasion il a photographié des paysages de Kyoto et des provinces du Japon.
Il peint sur toile une partie de ce paysage qu'il a photographié. Sa peinture est comme le zoom de la caméra qu'il a photographié dans le paysage panoramique.

La photographie nous montre un paysage du Japon sans matière et au contraire sa peinture nous montre une petite partie de ce paysage avec la matière. Le monde que Vincent Vallois nous donne à voir est un monde plein, où tout se touche, un monde saturé de vibrations lumineuses.

Nicolaus Werner
Isabelle Senly
Daniel Rochette

Vernissage le 17/01/2012, de 18h à 20h30

La Galerie Akié Arichi présente 3 artistes.
Daniel Rochette est un artiste Français, né en 1944. Il était architecte et peintre enseignant d'arts plastiques aux ateliers municipaux d'Ivry-Sur Seine. Il présente trois thèmes differents : des puits de petrole en feu, des fumées et des rochers avec une matière très fluide et lègère. Sa technique de spontanéité semble le reflet de la société actuelle.

Isabelle Senly est une artiste Française, née en 1966. Elle est diplômée de école nationale des Beaux Arts de Paris. Elle est professeur d'Arts plastiques dans un lycée. Elle présente ses sculptures en résine sur le thème de la Chrysalide. La plupart de ses sculptures sont suspendues au plafond. Les œuvres d'Isabelle Senly se font ici objets sacrés, idoles barbares où se concentre l'énergie de l'élan vital.

Nicolaus Werner est un artistes allemand, né en 1943. Il était professeur à l'Université de Mayence. Depuis 1984 il s'occupe aussi de l'Art Performance et du théâtre du Mouvement. Il a fait de nombreuses expositions en Allemagne. Son credo artistique s'appuie sur la phrase de Friedrich Nietzsche : L'art est plus important que la vérité. Il présente ses œuvres en toile tressée géométrique

La galerie Akié Arichi présente deux artistes Français et deux artistes Japonais pour cette exposition.

Bernard Alligand est né en 1953 à Angers. Au cours des années passées sur la Côte d’azur, il rencontre Henri Goetz qui l’aidera à approfondir les techniques de gravures, dont celle au carborundum. Depuis 30 ans il est un graveur important et réalise de nombreux livres de bibliophilie. Il expose en Europe et au Japon. Il présente ses gravures pour la première fois à la galerie Akié Arichi.

Gérard Delafosse est né en 1956 Après être diplômé de l’école d’Art Décoratifs, il peint depuis 1976 . Son travail allie la rigueur et la sensibilité, et pose clairement le problème de la réalité de la peinture, quand elle fait abstraction des images. Au début des années 80, Gérard Delafosse a abandonné « la toile » et utilise régulièrement le verre comme support à ses peintures. Fragilité et transparence apportent à son travail une dimension supplémentaire.

Wakako est née en 1950 au Japon. Elle est diplômé de l’Ecole des Beaux Arts de Paris. C’est sous le signe d’une rencontre entre le monde des hommes et celui de la nature qu’il faudrait placer les œuvres de Wakako. Cette rencontre, que la civilisation occidentale, dans ses tendances les plus extrêmes et les plus noires, a rendue improbable, l’artiste tente de nous en faire saisir par le rêve la nécessité impérieuse et ontologique. De là vient peut-être que son travail transcende l’opposition classique entre l’informel
et le figuratif.

Junichi Séki est né en 1957 à Tokyo. Il vit à Tokyo. Il est diplômé de l’Université des Arts de Tokyo.
Il travaille à l'encre de chine et avec des pigments sur toile vierge. A cette occasion il présente ses peintures et gravures. C'est sa première présentation en France. En ce moment il s'intéresse aux pétales des fleurs et il essaie de saisir l'energie au moment de sa floraison

Exposition du 5 nov au 7 déc 2011 le Vernissage : Samedi 5 Nov 2011 à partir de 17h à 20h 30 Samedi 19 novembre à 18h30
- Performance ''La montagne de L'indio Manuel Quintin Lame''
- Lecture de textes de l' écrivain et poète nicaraguayen
Ruben Dario par Innocent Gomez

Les sculptures d’Alfonso Díaz Uribe se trouvent “suspendues” dans l’air, façon de suggérer leur immobilité. Elles sont portées sur des échasses, lesquelles évoquent vaguement les jambes d’un être humain ou le tronc d’un arbre avec ses ramifications - Leur fragilité est à mi-chemin entre la marionnette, le théâtre, l’épouvantail, le totem et le monument. Elles semblent défier les lois de la gravitation. Apparaissent dans les hauteurs des figures comme des astres et des constellations. On peut noter des ressemblances avec les mobiles de Calder, mais aussi avec les formes inventées par Miró, par exemple dans la série dite « Les constellations »- Aériennes, immobiles dans l’espace, les œuvres de Alfonso Díaz Uribe ont quelque chose de cosmique ; elles invitent à rêver d’une cosmogonie fantastique.
Alfonso Díaz Uribe fait naître des formes « informes », abstraites, mais dans lesquelles on devine une multitude de paramètres : des animaux, des organismes, des figures, des chiffres, des lettres, une forêt, des symboles, etc. Leur ordre est incertain et aléatoire, un peu comme les pratiques et les rituels chamaniques.
L’aspect esthétique où beauté et laideur sont convoquées, se double d’un aspect fortement symbolique où interviennent le serpent, le jaguar et le condor. Une émotion, difficile à définir, nous étreint, venue d’une rencontre entre les mondes de la conscience et de l’ inconscient.
De tout ce dispositif scénique vital et totalisant se dégage la sensation d’une détente, de bien-être, propre à un état mental et physique sain. Nous avons réalisé, en regardant ces oeuvres, sans le savoir vraiment, un acte thérapeutique,
une « cure » qui n’est pas seulement spirituelle mais aussi physique et psychosomatique, c’est-à-dire artistique.
Innocent Gomez

Kenichi Nakano est un artiste japonais, né à Tokyo en 1951 et vivant au Japon. La galerie Akié Arichi présente son exposition personnelle pour la première fois. Celle-ci est en deux parties : les peintures de l’époque de son séjour en France et les peintures récentes réalisées à Tokyo. Il compose ses peintures avec la luminosité et l’atmosphère des couleurs, actualisant le beau et captivant pouvoir du pointillisme. Il poursuit l’héritage du post-impressionnisme, mais d’un point de vue visuel, il l’enrichit d’une ingéniosité créative. L’assurance du trait de ses compositions lyriques, abstraites et figuratives reflètent l’enthousiasme. Avec ses couleurs denses, vives, faussement naïves, il offre une parabole au Japon et à l’Europe, et attire également l’attention sur la possibilité d’un bonheur simple, inné, qui va de soi.
Keinichi Nakano présente à cette occasion ses peintures récentes en gouache et acrylique
sur papier marouflé sur toile, et d’autres peintures réalisées entre 1972 et 1983 en acrylique
et huile sur toile et sur bois.

Oeuvres récentes de deux artistes

NORIKO MIZOKAWA ( peintures à l'huile sur toile )

Les nus, comme des blessures sur la peau invisible du temps, déchirent la blancheur de la toile et ressemblent à des cicatrices d’encre. Noriko Mizokawa perçoit le grondement des éléments qui se déchaînent et devine le feu qui couve au coeur ardent de la terre. Ses couleurs fétiches sont l’ocre, l’argile brûlée et le noir des cendres. Couleurs volcaniques qui demeurent suspendues dans la sérénité de la contemplation. Elle a délibérément privilégié ces tonalités et teintes dans une sorte d’ascèse esthétique qui cherche à symboliser à travers les corps en mouvement le cycle même de la vie. Le graphisme du dessin se mue spontanément en matière peinte et devient la substance concrète de sa peinture, l’esprit même de son écriture picturale. Chez Mizokawa, peintre venu du Japon, il y a comme une symbiose occident et extrême-orient, mais à l’inverse des tourments et des passions de la chair qui animent les corps de Rodin, il y a l’harmonie et la transparence des corps dénudés comme des reflets d’or dans la clarté du matin.
H. Fouladvind

VINCENT VERDEGUER ( technique mixte, greffe photographique sur toile )

Poésie ténébreuse, mythologie figurative peuplée d’êtres étranges enlacés dans les sortilèges d’une dame Nature omniprésente, la nouvelle série de tableaux de Vincent Verdeguer nous projette d’emblée dans un univers paroxystique ; le peintre semble avoir franchi un cap décisif, peut-être irrémédiable. Sa poésie étrange s’est radicalisée, nous faisant pénétrer cette fois-ci dans un voyage pictural de toutes les ambivalences : doux et violent, charnel et métaphysique, ivre de vie et mortifère. Ainsi prend corps : moines encapuchonnés, vieillards à la chevelure enfarinée, sans abris escortés d’oiseaux, poulpes chevelures, monstrueuses autoroutes, terres sacrifiées, mirages d’îles, êtres de couleur aux parfums de caravansérail. La vie, la mort, la solitude. L’osmose entre Vincent Verdeguer et ces thèmes éternels donne là un fruit d’une beauté glaciale. Ces oeuvres, nous balancent dans un rock’n’roll circus de lumières et ténèbres, parfois sur un mode expressionniste , hyperréaliste ou onirique .Les toiles de Verdeguer nous happent, nous procurent une sensation immédiate, comme une brûlure. Elles peuvent nous déranger et s’insinuer en nous… Il y a dans ces ‘’petites histoires d’hommes’’ une impétuosité rare, un élan visionnaire, presque reptilien. Des noces païennes …
Thierry de Fages

Vernissage Mardi 10 mai 2011 de 18h à 20h30
Oeuvres récentes

Joël Froment est un peintre classique, héritier de la grande peinture (qui n’a jamais cessé, elle aussi, de se remettre en questions), quand il s’efforce d’exprimer sans pathos, dans la clarté d’un objet qui ne déborde pas de sa fonction, le vécu d’aujourd’hui. Le regard est nu dans l’espace du tableau, dans son acte de voir et d’éprouver, sans qu’il y ait de textes à lire, de messages à comprendre, ni de souvenirs à ressusciter.
Entre le fonctionnement du tableau et celui de notre regard, se glissent toutes les questions de nos rapports à l’oeuvre dans sa lecture et dans sa perception. Un tableau réussi est un tableau où les conflits sont résolus, les tensions apaisées, un petit fragment de paix dans le chaos du monde.
Pour Joël Froment cela ressemble à un espace ouvrant sur une lumière intacte, perméable au silence. Cet espace et cette lumière demeurent comme l’horizon de son travail, le sens de sa recherche, l’exigence de sa pensée et le poids de sa solitude La respiration des formes est celle du peintre dans un monde idéal, elle seule rend compte de l’ampleur de son regard, ce point limite de l’existence, là où après il n’y a plus rien. C’est la magie de cette note bleue au goût d’éternité qu’il cherche comme un jazzman ivre de ses «tempos» quand il compose avec la droite, la courbe et la couleur, célébrant la vie, devant « la terreur de l’inconnaissable et le chaos noir et dur qu’est la mort »selon les mots de Barnett Newman, aussi impressionnants que sa peinture...

NOM DE L’ARTISTE: Luiz Ferraz
DATES DE L’EXPOSITION: du 1 mars au 6 avril 2011
DATE DU VERNISSAGE: mardi 1 mars à partir de 18h

Luiz Ferraz est un artiste français, d’origine brésilienne. C’est sa première exposition personnelle à la galerie Akié Arichi, présente ses peintures récentes.
Dans l’art tout se révèle de forme inattendue. La conscience est celle d’un temps, dont l’harmonie s’équilibre grâce à la compréhension qui nous berce, comme nous parle François Cheng, de l’Académie Française.
«Le monde intérieur obéit à une pulsion du rite que nous portons dans le vide spirituel, pratiquant en silence et dans l’oubli total de soi, pendant que l’essentiel de l’oeuvre est crée.»
Tout ce qu’il découvre est la conscience de l’artiste et son rôle dans son interaction avec l’univers.
Cette nouvelle étape d’incendies de forêts, actes, maintes fois accomplis par l’homme, est encore un thème que lui tient à coeur comme ceux de ses précédents travaux: Voyage au centre de la Terre, les Volcans, les Déserts, les Glaciers, les Rivières.
Seul compte pour lui, le contenu secret dont la connaissance et les exercices obéissent à des lois intimes, comme dans la Vie et montre que l’artiste produit ainsi, l’essence de son art.

Noms des artistes: Yves Clerc, Antoine Poupel, Eric Vassal

La galerie présente trois artistes français à cette occasion sur le thème d'un moment et un jour. Yves Clerc, peintre né en 1947, présente ses nouvelles séries de photographies numériques sur métal dans sa série « Glamorous Flowers ». Chaque image est diptyque image/poème de Line Aressy.

Antoine Poupel est né en 1956 et est ancien pensionnaire de la Villa Médicis. La galerie
présente ses photographies numériques qui sont des petits moments d'illumination et d'émerveillement.
Ces créations sont un mélange d'images, qui peut créer une atmosphère surnaturelle. Il a souvent montré sa capacité à la transformation des images, au déplacement physique du spectateur pour scruter l'image; il aime que celui-ci se perde parfois.

Eric Vassal est né en 1961 et est artiste polyvalent comme sculpteur, peintre et photographe.
Il présente «  Je suis Vous ? » il nous interpelle sur notre propre identité, sur notre place dans l'univers urbain. Ce sont des passants pris du ciel. Instants fugaces de la vie ordinaire, fixés par la photographie comme une limite au temps.

En visitant cette exposition, les spectateurs de ces images se trouvent eux-mêmes à un moment et un jour de leur vie.

Vernissage le 07/12/2010, 18h-20h30

Oeuvres récentes
OSCAR LLOVERAS MAHO NAKAMURA
KOHO MORI-NEWTON YUUKO SUZUKI
CHANTAL CORBEEL DOMINIQUE KESSLER

Depuis le début du 20e siècle les peintures abstraite ou informelle
sont nées en occident. Mais au Japon au milieu du 15e siècle, la peinture abstraite est crée par un moine de bouddhisme Zen. Comme une image à l’aspect d’un cercle tracé par un coup de pinceau à l’encre de chine. C’est une image spontanée et simple et à l’aboutissement direct d’une idée abstraite née sans calcul. Le moine de zen Sengaï (1750-1837) a laissé un fameux dessin « carré, triangle et cercle ». L’esprit zen est enraciné profondément dans la pensée « néant » et le mot « néant »mène « au mot vide » qui est d’origine sanscrite « sunya ou sunna » qui signifie zéro. De zéro à vide, de vide à néant de néant à zen. Mais ce vide est prêt à remplir donc cet esprit n’est pas négatif. Après la 2e Guerre mondiale l’esprit Zen est détaché de l’esprit Bouddhisme Zen et a commencé à inspirer les artistes occidentaux et ouvert un nouvel horizon sur l’art contemporain et actuel.

la galerie Akié Arichi présente les œuvres de six artistes qui ont peint et dessiné après l’esprit zen. Oscar Lloveras est artiste argentin vit au Japon et à N.Y. Maho Nakamura est artiste japonaise et vit en France depuis l’âge de 3ans. Dominique Kessler est artiste suisse et vit à Genève. Chantal Corbeel est artiste Française. Yuuko Suzuki est artiste Japonaise et enseignante de calligraphie au temple bouddhique tibétain en France et au musée Guimet. Koho Mori-Newton est artiste japonais et vit en Allemagne.

La Galerie Akié Arichi présente des oeuvres de Dimitris Souliotis, né en 1966 en Gréce. Il vit en France et présente des oeuvres récentes de peintures à l'huile et des pastel gras. C'est la première exposition personnelle dans une galerie parisienne. L'œuvre de cet artiste , obsédante, polysémique, dresse la carte d'une véritable quête des mystères sous – tendant notre présence au monde et tente de restituer les émotions fondamentales de l'existence et dans ce sens, possède une gravité qui fait défaut à nombre de ses contemporains, qui se contentent d'amplifier les aspects décoratifs, provocants, l'attraction érotique, l'amour transcendant, la mémoire, la prévision, la peur et la mort, mais aussi nos prémonitions – peut être fausses - d'une invisible toile de fond spirituelle derrière le spectacle ridicule mais poignant de notre histoire.
Ses peintures parlent « de quelque chose « elles se réfèrent souvent à des histoires, ou les racontent et elles nous concernent tous intimement car elles explorent, au moyen de la métaphore ou de l'allégorie, les interrogations universelles sur la manière que nous avons de projeter, sentir, ou imaginer nos vies, à la fois seuls ou avec les êtres aimés.

Vernissage Jeudi 9 Septembre 2010 de 18h à 20h30

Oeuvres et sculptures récentes
Commissaire : Catherine Topall

Galerie Akié Arichi présente des œuvres du mouvement MADI, lancé à Buenos Aires en 1946 par Carmelo Arden Quin , né en 1913 et actuellement 97ans, proclamait la possibilité de peindre des structures polygonales planes, concaves ou convexes, des plans articulés, amovibles, animés de mouvements linéaires, giratoires ou de translation, de sculpter des solides avec des espaces vides et mouvements d'articulation… MADI réalisa le passage entre l’art construit des années vingt/trente et l'art minimal, le « shaped canvas » et le « hard hedge » américains des années soixante-dix.

Au début du XXIe siècle, une telle permanence dans la continuité et la créativité d’un mouvement artistique est unique. Il ne faut pas oublier que MADI a plus de soixante ans d’existence.

Actuellement le groupe MADI International comprend plus de cinquante membres représentent quinze pays. La galerie présente à cette occasion 35 artistes de 10 pays : les artistes liés au mouvement MADI International se rencontrent périodiquement au cours de manifestations, réunions, colloques, expositions, confrontant leurs expériences et montrant à l’évidence la richesse et la diversité des créations. Des scientifiques, des mathématiciens ont même trouvé dans les créations MADI la justification de leur recherche.

vernissage 08 juin 2010 de 18h à 20h30

César ANDRADE, Katsuji KISHIDA, Alfonso DIAZ URIBE, Masayuki KAÏ
La galerie Akié Arichi présente quatre artistes qui travaillent avec une matière différente.
César ANDRADE né en 1939 au Vénézuela ,vit en France depuis 1968. Ses œuvres récentes réalisées
avec une précision mathématique sont néanmoins pleines de poésie. En utilisant comme élément de base le clou, il dispose comme moyen d’expression à la fois du point et de la ligne. Vu d’en face chaque point circonscrit l’espace. Andrade explore avec une rigueur exemplaire un nouveau langage plastique d’une grande pureté dans le domaine de l’art concret.

Katsuji KISHIDA né en 1935 au Japon , vit en France depuis 1970. Ses sculptures ont une allure
ascensionnelle et aspirent à la monumentalité, ramassées sur leur écorce crevassée et couturée, tressée
de plaques parfois couronnées d’unités lamelliformes, arc-boutées sur une colonne vertébrale stabilisatrice: c’est toujours l’acier peint monochrome qui prête son épiderme fractionné aux combinatoires syncopées de KISHIDA. Entre ressacs structurels et géométrie régulatrice, tradition
orientale et avancées occidentales, KISHIDA creuse sa propre route avec autorité, en traduisant ce
qu’il ressent au plus profond de lui-même.

Alfonso DIAZ URIBE né en 1955 en Colombie , vit en France depuis 1980. Ses sculptures sont
liées à la nature et à l’histoire du continent latino-américain. Ses dernières œuvres sont en caoutchouc et en bois.

Masayuki KAÏ né en 1958 à Hiroshima , vit en France depuis 1976. Dans ses œuvres de la série « Enterrée », il laisse des toiles sous la terre, jusqu’à ce qu’elles s’imprègnent d’elle et prennent des nuances rouille uses, ocre et beige. La terre participe au processus de création. Ensuite il remplit la
composition géométrique et coud sur les traces du crayon. Les lignes s’entrecroisent donnant vie à une représentation du réel presque déroutante.

Pour les trois Italiens que nous accueillons aujourd’hui, Mascia, Frangi et Zangara, le dynamisme de reliefs colorés singuliers se structure sur les rythmes qui les inspirent.

Yumiko Kimura, artiste japonaise résidant en France et ayant étudié en Italie, utilise le verre, que ses constructions d’architecture font traverser de lumière.

Jean Charasse, né en France où il réside, conduit un jeu de pièces en bouleversant les cases géométriques comme support d’une tradition née ailleurs.

La peinture est une activité journalière. Il considère la toile comme un support sacrificiel qui lui donne un champ expérimental.
Ceci étant posé, l'essentiel de son travail repose sur l'équilibre des formes, des couleurs, et des traits.
La fixation d'une dynamique dans le tableau ne s'obtient pas sans la mise en jeu d'un profond déséquilibre, combattu sans recours aux armes lourdes de contrepoids classiques et attendus.
Dans ses compositions, l'équilibre est de plus en plus suspendu au geste, sans le recours aux solutions évidentes, acquises par l'étude.
A cette occasion, Francis Violette présente des peintures à l’huile sur toile et des dessins acrylique sur papier.

La galerie Akié Arichi présente sa première exposition personnelle de Fabrice Ainaut.
Né en 1982 à Tarbes.
Attiré très tôt par les arts plastiques, il fréquente l’école supérieure
d’art de Tarbes.
A seize ans, il découvre l’Afrique et fait plusieurs voyages en Côte
d’Ivoire où il étudie la musique traditionnelle mandingue.
Il s’installe au Burkina Faso en 2000, où il fréquente le milieu artistique
et crée du mobilier d’artiste. Il participe au SIAO 2002. En 2003, il rentre en France et
s’installe en région parisienne, où il rencontre Arden Quin, le fondateur du groupe Madi. Arden Quin a écrit pour la préface du catalogue d’Ainaut « L’œuvre d’Ainaut , faite dans la lignée des données Madi, est d’une grande originalité, harmonieuse et réalisée avec une rigueur extrême. Que Ainaut continue ses recherches et fasse de son art le but de sa vie. Il possède tous
les éléments nécessaires pour l’accomplissement de cela »

Vernissage: Mardi 19 Janvier 2010 de 18h à 20h30

TOSHIO ASHIBA est né en 1931 au Japon et vit en France. Ashiba est un artiste peintre, poète et sculpteur. Il pratique la photo depuis son enfance. Ses photos expriment l’admiration qu’il ressent devant la beauté de la nature. Depuis 1961, il vit en France et passe ses vacances au Japon et a pris plus de 3600 photos de paysage.. La nature elle-même n’est jamais pareille suivant les
saisons, heures, climats, et angles d’observation. Son désir est de capter et rendre visible ces images qui le frappent, le plus fidèlement possible à ses exigences d’esthète, et transmettre cette émotion aux autres personnes sous forme de langage pictural.

Cette admiration respectueuse face à la beauté de la nature, est forcément son expression personnelle. Ses compositions photographiques ne viennent pas de l’objectif d’un simple amateur
de la photo, mais de ses yeux forgés d’observateur. Cette différence pourrait être la raison de
l’exposition : L’œil d’un artiste-peintre.

Il n’a jamais cherché à s’exprimer ou manifester son « soi » dans ses photos : car il est avant
tout un artiste-peintre ayant le moyen de s’exprimer. Il décrit son univers intérieur, ses rêveries,
passions, douleurs, méditurs, méditations…

Exposition de groupe: Yusuke Takahashi, Kanae Urabe, Nozomi Toujinbara,
Eijiro Ito, Horacio Cassinelli, Anna Tsubaki
Dans la rue Keller il y a 6 magasins de manga et il y a une population qui s'intéresse aux manga et la galerie Akié Arichi présente des oeuvres originales de manga.
Artiste uruguayen à la production protéiforme et familiarisé à la bande dessinée , Horacio Cassinelli (Montevideo, 1971) s'amuse à révéler le potentiel étrange d'images venues de loin. Il est question ici d'un parcours (Uruguay-France-Japon), celui de l'histoire des codes graphiques (personnages de Manga et estampes d'Utamaro), et celui qu' en ce moment-même notre regard est tenu d'effectuer pour mieux voir.
Anna Tsubaki est japonaise , née en 1970 et vit au Japon. Elle présente ses dessins originaux avec une technique de peinture japonaise. Son travail a été présenté de nombreuses fois à la TV japonaise. Ses images sont surtout inspirées par l'estampe japonaise ukiyoé et au Japon elle est appelée « artiste ukiyoé contemporain. »
Kanae Urabe est née en 1976 et vit au Japon. Elle est artiste spécialisée en gravure aquatinte.
Elle présente une série sur le thème du Minotaure.
Nozomi Toujinbara est née en 1984 et vit au Japon. Ses images présentent des corps humains
étangement touchés par un certain zoomorphisme.
Yusuké Takahashi est né en 1981 et vit en France. Il présente des dessins originaux en acrylique
dans lesquels il fait revivre les délicates évolutions d’un être qui pourrait bien évoquer l'Ariel de
« la tempête » de Shakespeare.
Eijiro Ito est né en 1971 et vit en France. Il est graveur, enseignant le manga aux Français dans les
écoles. Il fait l’analogie en chien , un animal auquel il donne le pouvoir de critiquer de la société.

les oeuvres papiers.
vernissage jeudi 5 novembre 2009 de 18h à 21h
La galerie présente des oeuvres de deux artistes Japonais qui travaillent uniquement avec du papier. Mamoru Hamada est né en 1945 et vit au Japon. Ses oeuvres pourraient
avoir pour titre «  arborescences ». C'est qu' ici nous parle de la présence du végétal et de sa
puissance presque infinie. Le papier n'est pas n'importe quel papier; il est pris dans des livres pour enfants. Les feuilles ne sont donc pas vierges, mais les signes graphiques dont elles sont très vite rendus indéchiffrables par le traitement particulier qu'elles reçoivent de l'artiste. Les signes graphiques qui viennent des livres utilisés n'ont pas disparu. Mais, dispersés, émiettés par quelque soudain cataclysme, ils n'ont plus d'existence qu'à l'état de vestiges muets d'un monde qui ne fut qu'une erreur. Leur beauté s'est réfugiée dans leurs formes et dans leurs couleurs. Dans les oeuvres
de Hamada, c'est une sagesse primordiale, venue des temps immémoriaux, qui est portée jusqu'à nous, celle qui peut se faire entendre dans les murmures de la forêt ou se laisser surprendre dans le clair-obscur changeant des frondaisons.

Shigeo Shinjo est né en 1945 et vit en France. Il présente des oeuvres \"Love letters\", les feuilles de papier empilées, serrées pour former un livre. Elles sont clouées et brûlées comme s'il fallait à jamais en empêcher la lecture. Ces oeuvres, que l'on peut trouver énigmatiques, naissent en fait d'un drame intérieur, dans lequel une volonté s'oppose à elle-même, cherchant, dans la fièvre de la création, à la fois à retenir le temps et à l'abolir; peut-être avec le secret espoir de voir le temps rejoindre l'éternité dans la jouissance de l'instant présent. Autrement, il présente les oeuvres de papier perforées par le clou ou les crayons colorés. On le voit, l'art du paradoxe chez Shinjo a des affinités avec l'art du Haïku. Il s'agit d'un art qui sait être profond en cultivant la simplicité, ici, et comme par magie, le papier, ce matériau en apparence très pauvre, prend une dimension métaphysique.

peintures.

sculptures, peintures, dessins.